Hola Sofi, ¿cómo estás?

 

Hola Zoe

 

Gracias por venir

 

No, gracias por invitarme.

 

La primera pregunta que te quiero hacer es ¿quiénes fueron tus maestros o tus maestras?

 

Respecto a la profesión tengo dos grandes maestros. Una es de literatura que conocí a los 14 años en el IVA que fue una de las instituciones que me formó, más éticamente, de concepción de la vida y del arte. El IVA, Instituto Vocacional del Arte, es del Estado, donde estudias todos los tipos de artes. Ahí conocí a Margarita Roncarolo, que falleció en la pandemia el año pasado. Ella me enseñó a ver el mundo, a leer el mundo, me abrió la cabeza siendo muy chica, a crear con lo que había y me enseñó a encontrar mi voz. Por mas que no sea de actuación me formó en la mirada sobre el mundo y sobre el arte. Era una persona muy creativa y que incitaba mucho a la creación, a crear con lo que sea, con lo que haya y con lo que uno es. Ella fue fundamental en mi vida.

Después, mi maestro del alma es Guillermo Angelelli. Con él me formé 6 años. Su entrenamiento es todos los días, 3 horas y ahí conocí lo más profundo respecto a la actuación. Todos los recuerdos que tengo del entrenamiento, que igual no solo entrenamos sino que hicimos muchos montajes e hicimos una obra, tienen que ver con las raíces y la esencia de la actuación, con algo un poco más espiritual. Pero a la vez con una ética muy fuerte del trabajo del actor, del compromiso, del lugar, hay cosas que me quedan muy patentes como esto de ser un actor como un instrumento para el relato o un canal para habitar ese personaje y cosas como de valorar el propio trabajo aunque sea un segundo plano. Él trabaja mucho con los planos. Y por más que era una formación para el teatro y que tenía que ver con el instrumento, con trabajar y conocer el propio instrumento, para mi fue fundamental a la hora de estudiar cine y después a la hora de ser educadora también. Así que él es mi formación fuerte. Lo recomiendo mucho. 

 

Hace algunos años que venís dando laboratorios. Un laboratorio de composición de personajes para cine y ahora se suma el de creación de Materiales Cinematográficos y también das clases de actuación frente a cámara. ¿Qué sentís que podés aportar a las personas que se acercan a tus talleres en cuanto a la actuación para cine?

 

En mi formación tuve la suerte de tener dos becas para estudiar con unos coach yankees una técnica que se llama Alexander. Siempre digo que no es el cine que más me gusta, en general, pero creo que los actores tienen una educación y un trabajo de composición que es admirable. Te guste más o menos pero realmente es muy admirable. Cuando tuve estas becas y estudié con ellos me di cuenta que era algo muy cercano a lo que había aprendido con Angelelli pero ligado a la actuación para cine. A mi siempre me gustó la composición y sentía que acá no hay mucho, no hay una escuela de actuación para cine o formación de composición para cine. Se busca actores mas modelos, en el sentido de Bresson que él buscaba personas parecidas al personaje que hay que interpretar. Tuve una época de viajar mucho con mi trabajo. Desde siempre me dieron ganas de dar clases pero no me sentía cómoda con la idea de dar clases de teatro. Terminé de estudiar con Guille, estábamos montando una obra cuando empecé a filmar mi primera película, las herramientas que tenía eran del entrenamiento. De a poco fui entendiendo cómo iba llevando mi trabajo como actriz en cine. Esta técnica que enseñan estos yankees es muy parecida. Y dije bueno tengo 3 meses acá en Buenos Aires, lo hago, hago un seminario de 3 meses porque me parecía que menos era muy corto y terminé haciendo en otro teatro que es El Brío.  Y ahí empecé a mezclar estas técnicas, a dar lo que había aprendido a hacer, y también fui aprendiendo a dar clases con los alumnes y eso también fue re rico. 

 

Y el otro laboratorio, el de materiales cinematográficos creo que es una mixtura entre esto de Marga, justamente. Porque cuando hice mi primera peli como directora, lo que me pasaba era que sentía que era como escribir con imágenes. Entonces en este laboratorio lo que busco es que cada uno encuentre su propia voz, igual siempre me parece fundamental saber o empezar a vislumbrar y conocer cuál es la esencia de cada uno, creo que en la particularidad está lo novedoso, lo propio y que todos somos super valiosos y cada uno tiene en esa particularidad, algo que contar y traer al mundo o mostrar al mundo. Entonces en general como docente me es fundamental que cada uno de los estudiantes se conozca, encuentre su particularidad, conozca sus sentimientos, creo que hay algo del trabajo del actor que es ir para adentro para poder ir hacia afuera. 

 

En tus clases se trabaja mucho el respeto, ¿no?, a uno mismo. Un poco lo que venias diciendo recién: la intuición, el tiempo. Y la herramienta que yo entiendo que usas para eso es la meditación. ¿Por qué es importante esa relajación, esa disponibilidad para poder actuar?

 

Justo ayer pensaba un montón en eso y hoy escribí algo sobre eso. Siento que la relajación es fundamental para la vida últimamente. En mi experiencia cuando me relajo las cosas suceden en tiempo y forma como yo quiero, entre comillas, o como me gustaría, y cuando estoy tensa nada sale bien, pierdo oportunidades, no veo cosas, me peleo con gente, no sé, todo se vuelve como trastabillado. Hay un libro que es El manual del actor de Stanislavski, es el primero que empieza a teorizar sobre la actuación y tiene un capítulo dedicado a la relajación. Siento que la relajación es la única forma de estar en el presente y que la cosa suceda. Mi experiencia es que si yo no estoy relajada no puedo llorar ni a palos ni sentir ninguna emoción. Y hay algo de querer controlar, ¿no? y de querer mostrar. Como una voluntad del actor. Y eso que decía antes como algo de ser un poco más humilde y dejar que el cuerpo y que la cosa suceda. Y también sorprenderse porque si no es como que uno quiere controlar eso, manejar y que la cosa pase y en ese querer controlar siento que no dejamos que el alma, o que lo que sea, guíe. Y es mucho más rico, uno aprende mucho cuando no controla. En la meditación uno puede tener experiencias sensoriales y esas experiencias son mucho más ricas y generan recuerdos, sensaciones, emociones y es un material mucho mas valioso para trabajar. Otra cosa que me parece que es muy buena de la meditación es algo que uno va ejercitando y a veces es simplemente, cuando ya agarras cancha por ahí con cerrar los ojos y volver al centro ya está. Nuestro trabajo es generar, nosotros generamos tiempos y espacios diferentes, y para generar un tiempo y un espacio diferente no se puede hacer desde el cuerpo y la mente cotidiana. Hay que vaciarse un segundo para generar esto otro, para dar ese salto que requiere de ese otro tiempo-espacio. Y eso yo por lo menos no puedo hacerlo de taquito, no me sale. Entonces de nuevo lo mismo que decía antes, mientras más conozco sobre todo mis miserias y oscuridades y las acepto, sin pelearme y sin querer arreglarlas ni nada, mas material voy a tener después para mostrar. Y eso necesita introspección, ir para adentro. 

 

Bueno, recién hablabas del cuerpo, y también es algo que se trabaja mucho en tus clases, yo tomé clases con Sofi, lo blanqueo ahora, entiendo que hay como un entrenamiento muy fuerte antes para después ir a hacer la escena o ir a un rodaje, por ejemplo, y que pase. ¿Cómo es el trabajo con el cuerpo o el entrenamiento ese tan…?

 

Yo creo que el cuerpo nunca miente, ¿no? El cuerpo es la herramienta que tenemos para lo que vayamos a hacer, el cuerpo, la mente, la voz, la imaginación, las emociones, etc. Pero creo en entrenar no solo físicamente, sino para tener ese cuerpo entrenado para estar presente y después hay otro entrenamiento que es en la composición de la energía. Yo trabajo con calidades de energía, entonces entrenar esa calidad de energía desde el cuerpo. Creo en el trabajo, en el estudio, que uno tiene que estudiar y trabajar y entrenar para a la hora de filmar o de actuar dejar que suceda, pero para confiar y dejar que suceda uno confía en que eso va a ir porque tuvo mucho tiempo de entrenar. Y sobre todo los distintos ejercicios son una excusa para entrenar el estar presente que es lo más difícil en definitiva, del actor, de la actuación, poder estar ahí en ese presente donde tiempo y espacio se unen y suceden esas magias que son difíciles de explicar pero que suceden, y uno siente eso. Así que creo que son ciertas excusas para lograr entrenar ese estar presente. 

 

¿Y el texto?

 

El texto es uno de mis amores de la vida. El texto es algo con lo que vamos a trabajar el 99 % de las veces que tengamos que hacer algo y es difícil aprender a decir y es difícil aprender a accionar con el texto, con la palabra. La palabra modifica y la palabra genera. Ahí es otro entrenamiento. No solo con el texto sino con la voz y las distintas calidades y las distintas frecuencias que podemos generar con los distintos resonadores que tenemos en el cuerpo. Aprender a decir un texto en el presente como si fuera la primera vez que lo decimos y tener esa paciencia y esa generosidad es muy difícil. Porque uno como actor sabe lo que va a pasar, es como Dios ¿no? y el personaje no, el personaje es inconsciente si no, no tendría conflictos, y si no hubiera conflicto no hay historia, no hay relato. Con el texto pasa lo mismo, yo me se el texto de memoria pero en realidad lo tengo que decir como si fuera la primera vez. Uno en general va cayendo siempre en los mismos lugares y también está esto que hablamos de controlar ¿no? pero bueno, yo amo la palabra y el decir. Así que es uno de mis amores, el texto.

 

En tus clases los trabajos son individuales, o sea es un trabajo como personal. ¿Por qué ves importante esa búsqueda como de cada une y después cómo se relaciona eso cuando te toca actuar con otra persona?

 

Mirá, me haces pensar. Porque si, es cierto. Creo que tiene que ver con el encontrarnos como creadores y después, en relación a los otres. Si yo soy franca conmigo y me encuentro a mi puedo trabajar desde esa esencia y desde esa honestidad o sinceridad. Creo que voy a tener la posibilidad de relacionarme con los otres desde ese lugar. 

Y en lo que es realización, en lo de los materiales cinematográficos tiene que ver con una exploración propia, de la propia voz y de la propia esencia y ahi si me siento mas cómoda con la idea de este encuentro individual, aunque en general si bien los trabajos son individuales, en la clases la participación, las devoluciones son grupales y ahí creo que se vuelve como mas comunitario. Pero voy a pensar en eso.

 

Igual yo lo veo como un trabajo, como eso que decis vos, de estar bien con vos mismo o conocerte y después eso te habilita a encontrarte con otra persona.

 

Claro, para mi tiene que ver con eso. Es tan difícil aceptarse. Yo por ejemplo soy una persona relativamente tímida y mucho tiempo me peleé con eso y mas que mi mamá me decía “Así, tímida, no vas a llegar a ningún lado para actriz”. Bueno… Y entonces me peleé mucho con eso, sentía que me tenía que forzar a ser no sé qué. Después bueno, estoy con mi timidez y es mi timidez y yo y listo. Entonces creo que tiene que ver con poder conocerse para poder entablar relaciones francas y tener el grado de verdad que es necesario para la actuación. Yo creo en la “no actuación” pero creo en generar verdad, no en representar, sino en generar verdad con lo propio, y creo que uno se puede vincular de una manera más honesta cuando es honesto con uno. 

 

Bueno, te escuché decir alguna vez que preferís el término realizadora audiovisual que directora. ¿Por qué y cómo llegaste a ser realizadora, a hacer tu primera peli La verdad interior hace poquito?

 

Prefiero realizadora porque me suena a algo con las manos y siento que el término director me queda grande. Realizar me suena a algo de eso, de hacer con las manos y dirigir me suena más a dar órdenes. Tengo esa sensación. Siempre de chica me gustaba el cine, amo el cine, como yo hice el IVA me eduqué en distintas áreas del arte. En mi primera película, por ejemplo, cuando eran las avanzadas de arte eran los días libres de los actores, y yo iba a hacer arte con la gente. Siempre me interesó lo técnico del cine y cómo de un guión, después había una película, cómo se iba realizando, me encanta la foto. Siempre me dio mucha curiosidad todo eso. Cuando terminé Los Salvajes, que ni siquiera trabajaba de otras cosas, dije “ay bueno, voy a estudiar arte” porque me había re copado. Pero bueno en ese momento en las escuelas de cine todavía no existía la carrera de arte. En un momento dije “ah bueno voy a estudiar cine” y ahí entré en el Programa de Cine de la Di Tella. También me dieron una beca. Y ahí aprendí viendo a un amigo, era como un grupo, vos hacías tu trabajo y si yo no sabia editar, entonces un compañero editaba, pero tampoco le podía pedir que esté 12 hs probando cosas, entonces aprendí a editar y así. Ahí conocí a James Benning, un director estadounidense de cine experimental observacional, es un viejito. Un señor muy mayor. Él vino a dar una masterclass y yo era la única de todos los compañeros que no sabía hablar inglés. Entonces me traducían y él es bastante político y yo llevé un trabajo que tenía que ver con mi nacimiento en México por mis papás que se fueron en la dictadura. No sé, algo pasó que le llamé la atención, y al día siguiente me mandó un mail de si quería hacer una película en colaboración con él. Entonces le dije que sí. Pasaron 3 meses hasta que me fui a California a filmar y en esos 3 meses hubo muchas idas y venidas en mails para pensar qué íbamos a hacer. Y yo para la Di Tella tenía que terminar con un proyecto de algo, estaba escribiendo un corto y en ese momento que ya empecé a trabajar con estos mails con James Benning, le dije que yo quería filmar el proceso, porque a mi me encantan los procesos creativos. Esto que decía antes, cómo de una idea o de una semillita se arma toda una película, todo ese proceso que dura años hasta que la gente lo ve. Y después ese ida y vuelta con el público. Entonces le dije que quería filmar el proceso. Y filmé el proceso de creación de Telemundo que es la película que hicimos en colaboración. Y bueno, el viaje. Que la verdad que fue alto viaje. En muchos aspectos, fue iniciático a nivel personal y a nivel profesional. Y una entrevista. Soy muy, muy fan de un director brasileño que se llamaba Eduardo Coutinho y él es como el rey de las entrevistas, es muy genio. Y bueno, fui probando así. Y después estuve casi dos años editando hasta que armé eso. Que es como, no sé, un ensayo.

 

Siento que ahora hay una tendencia a ser autogestivo, hay que hacer, pero pareciera algo más estratégico para conseguir otra cosa. No sé si tiene que ver con las redes sociales o con qué pero yo siento que tus personajes personales como que son distintos, que tienen algo más artesanal o hechos con las manos. ¿Vos lo sentís así?

 

Eh, yo me siento analógica. En eso si me siento grande, como que ahí veo las diferencias. Creo que lo que vos decis de lo autogestivo tiene que ver con… Hay una palabra que está muy de moda hoy en día que no me sale. Pero bueno yo creo que tiene que ver con que siempre desde que me formé en teatro, generé mis propias cosas en grupo o individualmente, y no hay otra manera de hacerlas, siento. Y me gusta lo familiar, lo hecho en casa, hay algo de eso. Si bien mi película obviamente la edité en una computadora siento que está como bordada. Que se yo, me gusta lo más rústico, algo de eso, y me gusta trabajar con la gente que amo o que admiro. Pero, no sé, creo en el trabajo y en ponerle amor a las cosas, que eso también se traduce. Y que la forma de producir es en sí parte del arte. O sea, en la peli que voy a hacer ahora, la forma de producción no es ajena al tema ni a la historia, es particular, porque lo necesita, entonces creo que también, la forma de producir lo que uno hace es parte del arte y del discurso. 

 

Si tuvieras que recomendar a alguien que estudie actuación o arte algún material, una película, un actor, un libro, algo… ¿Qué sería?

 

Un libro para mí fundamental es Esculpir el tiempo, de Tarkovski, si quieren estudiar teatro o no, para mi fue hermoso y de hecho lo leí de grande, justamente en este viaje a California. Creo que ahí hay mucho de lo que yo siento y pienso del arte. Es de esos libros que lees y decis “ah, pone en palabras lo que yo percibo o siento y nunca pude expresar”. Ese libro me parece fundamental.

 

Hay una peli que me gusta mucho que se llama A nous Amours, “A nuestros amores”, que es de Maurice Pialat, me acuerdo que me partió la cabeza porque el dvd tenía extras y él actúa en la película y dirige a Sandrine Bonnaire, una actriz francesa y esa fue su primera película, su ópera prima. La dirige de una manera como, actuando y no sé para mi es hermosa la pelicula, es como este cine mas de actuación e improvisado que a mi me encanta. El tipo de repente le pregunta cosas de su vida real en la escena y ves la reacción de ella y no hay mas verdad que lo que está sucediendo porque era de verdad, estaba fuera de lo que estaba pautado. Esa peli me encanta o cualquiera de Casavettes, “Una mujer bajo la influencia” también. Gena Rowlands es mi actriz preferida. Y me parece que el hecho de  ver y encontrar lo que a uno le gusta, ver y observar, eso también lleva tiempo, detenerse a observar, detenerse a ver, a escuchar, todo alimenta, el trabajo del actor para mi es conocer el mundo y conocer la psicología humana. Entonces hasta en los momentos que estamos discutiendo o llorando porque pasó algo muy terrible  detenerse un momento y observar cómo funciona. Esos mecanismos son de mucho más aprendizaje que cualquier cosa que nos puedan decir, no hay reglas, no hay cálculos. Entonces creo que en la vida en sí es donde más vamos a aprender. De cualquier experiencia de la vida uno puede aprender para la profesión. Hay que aprender a leer el mundo.

 

Gracias Sofi

 

No, gracias a vos.

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Este episodio se grabó en octubre de 2021 en Villa Ortuzar, CABA.  Sofi da clases que comunica por su Instagram.

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* La transcripción de esta entrevista sufrió algunas modificaciones. El audio original está disponible en el episodio 3 del podcast Les Actuantes.

En este episodio: Sofía Brito y Zoe David

Producción: Zoe David, Giuliana Zinga y Walter Pez.

Sonido Directo: Giuliana Zinga y Walter Pez

Edición de Sonido: Germán Guillermet

Música: Sebastián Lans

Diseño de identidad visual: Lucía Villanes

Diseño Gráfico: Zoe David

Idea: Zoe David 

 

Les Actuantes cuenta con el apoyo de Proteatro.